Comment les hommes noirs ont utilisé la mode glamour pour exprimer la fierté et la résistance

L’exposition de printemps du Costume Institute de cette année et le Met Gala célèbrent la tradition de couture audacieuse portée par les hommes noirs qui ont fait une déclaration.

Le dandisme noir, l’exposition très attendue du printemps 2025 au Costume Institute, Super Fine: Tailing Black Style, le Metropolitan Museum of Art, est un thème riche. Dandy est la figure d’un homme magnifiquement habillé qui non seulement a l’air bien, mais aussi intéressé à faire une déclaration sur son identité et sa personnalité. Et le dandyisme noir est une déclaration rebelle de confinement, de célébration de l’identité noire, de la résistance, de la fierté et du mouvement basé sur l’histoire.

L’histoire du dandyisme noir ne commence pas à partir des vêtements, mais par son manque. Africains en esclavage, le Miller monical esclave a écrit dans le style du dandisme noir et de l’identité diasporique noire (2009) que « nous sommes arrivés en Amérique physiquement et plausiblement nus. Le dandisme était une réponse critique à cela, né du désir de se définir et d’imaginer de nouvelles possibilités sociales et politiques dans le contexte dans lequel le concept de » noir « a été créé par des oppresseurs non nablés.

Inspiré par le livre ingénieux de Miller, l’exposition examine comment le style masculin, en particulier le dandyisme, peut aider à façonner l’identité des Noirs transatlantiques depuis plus de 300 ans. Le Gala Met-studded de New York aura lieu lundi, avec des thèmes correspondants filmés comme codes vestimentaires. L’événement sera coprésidé et organisé par l’acteur Colman Domingo, le pilote de Formule 1 Lewis Hamilton, le rappeur A $ AP Rocky, musicien et directeur créatif Pharrell Williams. Ils travailleront avec la rédactrice en chef de Vogue Anna Wintour et le basketteur LeBron James, coprésident d’honneur.

Le spectacle présente des vêtements, des illustrations, de la photographie et du film, et explore 12 traits différents de dandysme, allant de la propriété, du patrimoine, de la présence au respect, de la beauté et du cool. Le titre « Super Fine » se rapporte à la « laine finement tissée » que Miller, le conservateur invité de l’exposition « , ne l’utilise pas seulement comme une expression de luxe, mais se sent également » super bien « .

Certes, l’un des premiers actes de déclin de l’esclavage a été de retirer ses propres vêtements réduits en esclavage et de porter les vêtements de problème standard. « Tout le monde aurait dû se ressembler exactement », a déclaré Miller à la BBC. « C’était un véhicule de déshumanisation, mais les gens ont rapidement collé des boutons, des rubans, modifié un peu les vêtements et les a littéralement ajustés pour les individualiser. » Le dandisme jetait déjà les fondations.

Aux XVIIe et XVIIIe siècles, le contrôle a de nouveau été soutenu par le maître alors que les Africains asservis ont été retournés en Europe en tant que domestiques. Certains ménages vêtus de colorants riches et intentionnellement anachroniques, se sont opposés au maître pour signaler la richesse familiale. Certains ont été éduqués aux côtés des membres de la famille d’accueil, et les invités étaient amusés de voir quelqu’un de couleur parler comme un gentleman.

Cependant, dans le cas de Julius Subiss (qui a été libéré de l’esclavage) dans les années 1760 par sa maîtresse britannique, la duchesse de Queensbury, la blague était avec la noblesse. Subis a retrouvé et a exagéré les magnifiques vêtements que sa maîtresse l’avait habillé en ajoutant des chaussures à talon rouge diamant, des volants en dentelle et un nuage de parfum. Équitation éduquée, ingénieuse, charmante et capable, épée et violoniste, il a été contraint de classifications établies instables de la race, du genre et de la classe, et de repenser sa conscience blanche de ce que sont les Noirs.

Subs a utilisé le dandyisme pour affirmer la visibilité, mais ailleurs dans l’exposition montre que le dandyisme est utilisé pour la dissimulation. Comme indiqué dans les mémoires de William en 1860, c’est une sorte de déguisement qui a échappé à William et Ellen Craft qui lui a permis d’échapper à l’esclavage en Géorgie en 1848. Encore une violation – Eren, les limites de la race, du sexe, de la classe, une fille d’une femme en esclavage et de son propriétaire d’esclaves, se sont déguisées en verre vide avec un gentleman invalide avec un gentleman blanc et des traces, et des lunettes, et des verres. Lorsque William a été témoin de la liberté et s’est pris avec un « très bon castor d’occasion (chapeau haut de forme) », les couvertures de la paire étaient presque époustouflées, tirant des commentaires d’un planteur mécontent que son « maître » le ruinait. Leur évasion a réussi et les deux ont continué à construire de nouvelles vies dans les mers britanniques.

Plus tard, en 1865, l’abolition de l’esclavage a encouragé le métier à retourner aux États-Unis, et d’autres Noirs américains ont commencé à se déplacer de la campagne au sud pour en expansion des villes du Nord, établissant pour la première fois une grande communauté urbaine noire. L’un d’eux était Harlem, New York, qui est devenu le centre de l’expression créative lors de la Renaissance de Harlem des années 1920 et 30, et est devenue une manifestation de la liberté noire dont beaucoup rêvaient.

L’habillage a une fois de plus joué un rôle central dans la construction de l’identité noire moderne et la confrontation de lynchage, d’émeutes et de discrimination durable. En 1917, environ 10 000 Afro-Américains ont participé au défilé de protestation silencieux sur la cinquième avenue à New York. C’était une exposition de respect, de douceur et de contrôle, contrairement à la sauvetage de la violence commise contre eux.

Le costume, le miroir est « le » historique à travers la ligne « de l’exposition, et comprend tout, des » vêtements colorés « aux hayons et à diverses versions. Ankles, revers larges et pantalon en ballon, décoré de longues chaînes et une méchante montre de poche du chapeau.

Lorsque le rationnement a été introduit dans les années 40, cette expression de contre-culture est devenue la source de la fouille attendue en raison de la quantité de tissu requise par Zoot. Cela a été une excuse pour de nouvelles violences contre les personnes de couleur, en particulier à Los Angeles. Là, une foule blanche a dépouillé le costume et a coupé le tissu avec un couteau. Cependant, les combinaisons de Zoot continuent de réaffirmer leur importance, car ils sont trop forts pour restreindre complètement l’élégance de la tenue noire, réapparaissant, par exemple, en tant que style de marque pour le groupe de musique Kid Creole et la coco dans les années 1980, et inspire plus tard le rappeur Mc Hammer de Baggy-Crochy-Pants. « 

Dans un article récent, Anna Wintool (rédactrice en chef de US Vogue), «Dandy of Dundee», Andre Leon Tully (1948-2022), décrit comme le premier directeur créatif noir d’US Vogue. Ses photos préférées, prises dans les années 1980, apparaissent dans l’exposition, ainsi que des combinaisons de morticil lambrissées. Il est ensuite devenu connu pour sa magnifique cape de tremblement. « Il a compris ce que vous portiez, surtout en tant que Noir, a parlé de l’histoire de vous, de votre histoire, de votre estime de soi », écrit Wintour. « Pour Andre, s’habiller était un acte d’autobiographie, un méfait et une fantaisie, et bien d’autres choses à la fois. »

Pour l’artiste, photographe et auteur nigérian-américain Ike Ude, l’auto-construction par la mode est une réponse critique aux perceptions négatives à ce sujet, alors que l’autoportrait apparaît sur la couverture du livre de Miller 2009. « Le moi peut être consommé par un examen public, mais sauvé par l’auto-objectivation de l’individu », a-t-il écrit dans son essai de 1995, « The auched Self ». Une partie d’une série d’autoportraits d’Udé, Anarchy # 5 (2013), montre un pastiche de dandyisme qui embrasse et satisfait cet affichage. « Il porte des robes masculines dans tous ces portraits, mais à partir de moments et de géographie différents », explique Miller. « C’est une véritable manifestation du cosmopolitisme et de l’esprit. »

Ce thème du cosmopolitisme se poursuit avec les vêtements du designer primé Fodai Dambuya. Une grande partie de son travail célèbre son héritage africain et utilise un design net et soumis pour défier l’association négative entre l’Afrique et la migration. « Il conçoit des vêtements qui utilisent souvent des documents d’immigration de sa famille et d’autres qu’il incorpore dans des tissus en soie imprimés », explique Miller. L’idée de l’exposition a commencé, a-t-elle ajouté, une observation d’Andrew Bolton, conservatrice de la collection de costumes de Met, qu’une « sorte de renaissance se produisait dans les vêtements pour hommes, et les créateurs noirs étaient vraiment à l’avant-garde ».

Le blackdandyisme qui maintient le miroir fait partie d’une culture de mouvement constant. « Les Noirs essaient toujours de dépasser les stéréotypes et l’appropriation. S’ils l’incorporent tout au long du 19e siècle, il y a un moyen qui est intégré à la culture parce qu’ils essaient de le capturer. » En conséquence, le dandyisme ne montre aucun signe de déclin. « C’est très lié aux riffs de jazz », ajoute Miller. « Quelqu’un le dépose, quelqu’un le ramasse, le change, le change, ça devient quelque chose de nouveau … »

Superfine: le style noir qui est situé sera situé au Metropolitan Museum of Art de New York du 10 mai au 26 octobre 2025. Le livre ci-joint de Monica L Miller a été publié par le Metropolitan Museum of Art et distribué par Yale University Press.

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