La Fashion Week de la mode amérindienne de Sante Fe « Il ne s’agit pas seulement du style, il s’agit de l’existence. »

« Les autochtones sont toujours là. Mais nous avons toujours été là. Mais ce pays se comporte comme si nous ne le sommes pas. Il est effacé n’est pas seulement des manuels. Cela se produit dans les pistes, les musées, les médias, les maisons de mode. »

Les pratiques autochtones, les valeurs culturelles et l’art ont longtemps été marginalisés et forcés de se distancier de la courant dominant de l’Occident, mais l’émergence de la semaine de la mode indigène a plaidé pour son existence et continue de vivre la culture.

À Santa Fe, la Fashion Week indigène a ouvert ses portes à Santa Ferelaiya pendant quatre jours remplis de mode, de panneaux et de fêtes. Il s’agit d’un hommage intelligent à l’histoire complexe des peuples autochtones, où les systèmes ferroviaires ont été construits au XIXe siècle. Ces camions restent symboliques de la colonisation, de l’expansion territoriale, de la destruction environnementale et de l’élimination culturelle. L’ouverture de l’événement, « Runway on the Rails », les concepteurs Non-Mey et Ayimach Horizons ont prévisualisé un extrait de la collection sur un Sky Railroad pendant leur trajet de deux heures dans le désert. À partir de ce moment, c’est devenu clair. Les vêtements présentés tout au long de la semaine concernent moins l’artisanat et les vues, et moins sur la narration et l’histoire.

« La semaine de la mode native n’est pas une question de style. Il s’agit d’être, de la créativité, de l’excellence, de repousser l’invisibilité avec joie », explique Amber Dawn. Elle continue. « Contrairement aux thèmes américains communs mettant en vedette les designers autochtones du musée et nous présentant dans le passé, nous construisons une plate-forme pour l’avenir. L’exposition des conceptions autochtones modernes est extrêmement importante pour ce travail. » Pour l’aube, un sentiment d’effacement, même de la piste, s’est produit en raison de la culture indigène. « Native Fashion Week Santa Fe est un espace récupéré. Un espace dirigé par des créateurs autochtones. Et ici à Santa Fe, cela se produit dans les villes qui ont déjà une réputation d’art, de culture et de narration », dit-elle.

« Cela apporte de nouveaux yeux et une nouvelle énergie à Santa Fe. Une figure dans l’industrie clé de endroits comme les éditeurs de mode, les acheteurs, les stylistes, les célébrités, les photographes et les endroits comme New York et Los Angeles. »

C’est le PDG de la CFDA, Stephen Kolb, qui faisait attention aux chiffres importants et aux nouveaux yeux. « En venant à la Fashion Week amérindienne, nous avons eu l’occasion de pénétrer dans notre communauté et d’avoir un sentiment de culture indigène et de design indigène », a déclaré Kolb. Le CFDA n’a actuellement pas l’intention de financer la Fashion Week de la mode à Santa Fe, mais Kolb a souligné qu’il peut apporter des connaissances, des conseils, des connexions et de la sensibilisation.

Extérieur Warehouse 21, un grand espace événementiel à Santa Fe, Colina Emmerich a conclu le défilé. « La collection s’appelait des espèces et était basée sur le concept de » ils ont essayé de nous remplir, mais ils ne savaient pas que nous étions des espèces. «  » Poursuise-t-elle.

La pièce la plus mémorable a peut-être été la dernière déclaration de la rébellion. Cette robe est fabriquée à partir du drapeau de la Palestine. « Je pense qu’il est important de garder un œil sur ce qui se passe dans la Palestine de Gaza alors qu’ils continuent de bloquer les nouvelles, et c’est ce que nous (les peuples autochtones) avons également vécu. »

Emmerich dit: « J’ai travaillé sur sa collection jusqu’à la fin. » Elle l’encourage à embrasser à la fois son identité et sa créativité indigènes comme sa plus grande inspiration, père et professeur d’art. « La première robe que j’ai faite était ma robe de jingle Powoweregalian. J’ai beaucoup réfléchi à mettre des histoires en vêtements. Pour moi, c’est plus une question de narration que de trucs commerciaux. »

« En grandissant, il n’y avait pas de créateurs de mode natifs autres que Dorothy Grant, alors comment saviez-vous que si vous ne pouviez pas le voir, c’est possible? Mais la perception est phénoménale », dit-elle. « Nous avons de la chance, nous avons de l’espace pour tout le monde. »

Le deuxième jour de la Fashion Week, dans le même espace événementiel, le Nonami, initialement présenté sur Skyrails Train, a fait ses débuts une plus grande collection visant à raconter une histoire plus pleinement réalisée. « Le nom de cette collection est une lignée tordue, et c’est une histoire de ma famille », dit-il. « C’est une histoire autochtone. C’est mon histoire. Cela commence par ma robe ancêtre, mon histoire sur ma grand-mère, mes proches tirés par la police. »

À mi-chemin du spectacle, Nonamy a présenté une veste vertigineuse structurée orange avec les mots « ne pas filmer » sur son dos. Cette pièce, comme le reste de la collection, fonctionne comme une sorte de «tissu conjonctif». Il s’agit d’avoir une influence directe sur lui ou de continuer à vivre à travers la lignée.

Nonami, originaire d’Anishinabe dans le Nord du Wisconsin, raconte une histoire profonde et personnelle de la migration forcée de sa famille, de la migration forcée de sa famille, de son temps dans le système de placement familial et de la perte d’identité qui en a résulté. Le voyage s’est intensifié après avoir appris qu’il avait perdu à la fois sa mère et sa grand-mère. « C’est cette perte que je ne savais pas quoi faire, alors j’ai commencé à l’appliquer à mon art », dit-il.

Formé à l’origine à la sculpture, non-MEE découvre enfin que la langue des vêtements lui parlait davantage. Tout au long de la collection, il a présenté des œuvres qui ont suivi les silhouettes de robe européennes traditionnelles du XVIIIe siècle. Il s’agit d’une fusion visuelle de l’histoire et du patrimoine qui reflète à la fois son identité et sa relation complexe et douloureuse avec les ethnies indigènes dans un monde colonisé. « Je suis le résultat d’une action coloniale, et je suis une tentative de génocide culturel, mais la reconnexion m’a fait encore plus loin du bord. J’ai l’impression de décoloner l’industrie en créant et en partageant de l’art. »

Cet esprit a été transporté tout au long de la semaine. L’abrasion traditionnelle des peuples autochtones est loin d’être monolithe, de nombreux designers représentant les diverses tribus et régions des Amériques, mais l’objectif commun de représenter le patrimoine au fil du temps était central. Des approches de mode durable telles que la rébellion, la queue fine, le streetwear, les tirages tribaux, les glands traditionnels et les litiges, les mocassins, la fourrure et les matériaux polyvalents existaient sur la piste.

« L’industrie doit savoir et investir davantage dans les anciens designers américains. Il n’y a pas de moyen unique de définir l’art de la mode indigène. La diversité est belle et compliquée », explique Amber Dawn. « Cette saison, Santa Fe, la Fashion Week indigène, a plus de 25 pays sur les 30 créateurs autochtones cette saison. Chacun de ces pays a un design spécifique, une couleur et un symbolisme intentionnel. Nos créateurs mélangent ces motifs traditionnels à la mode personnelle pour créer une interprétation contemporaine de la mode indigène qui incarne un voyage personnel pour tout le monde. »

À l’approche de la semaine, le public s’est retrouvé avec un message fort du créateur de la programmation. Le skateboard de Showshone, qui est devenu viral sur les réseaux sociaux, est impatient d’être mis en scène par Alex de SCRD Thndr et continue de montrer une telle exposition.