Chaque année, le premier lundi de mai, les gens regardent des célébrités fouler les marches du Metropolitan Museum of Art de New York lors de ce qui est considéré comme la plus grande soirée de la mode. Vogue, et plus particulièrement Anna Wintour, a fait de l’ouverture de son exposition de mode du printemps l’un des moments les plus médiatisés du calendrier social hollywoodien, recueillant 1,2 milliard de vues dans le monde entier sur toutes les plateformes et une couverture massive de presque toutes les formes de médias.
Même si les gens semblent se soucier de savoir qui était « dans le thème » et qui n’était pas sur le tapis rouge, en fin de compte, le Met Gala est une collecte de fonds (et une source majeure de fonds) pour l’un des départements de curation de mode les plus importants d’Amérique (le Met Gala 2025 a récolté un montant record de 31 millions de dollars). Il a également attiré l’attention sur un plus large éventail d’expositions de mode. Au moment de sa fermeture en octobre 2018, l’exposition Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic Imagination du Costume Institute s’étendait sur 60 000 pieds carrés dans 25 galeries et deux bâtiments (Metropolitan Museum of Art Fifth Avenue et Metropolitan Museum of Art Cloisters) et a attiré 1 659 647 visiteurs, ce qui en fait l’exposition la plus visitée de l’histoire du musée.
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La mode existe historiquement dans les musées, même s’ils ne disposaient pas initialement d’un département dédié. Le Victoria & Albert Museum de Londres a commencé à collectionner des articles de mode au milieu du XIXe siècle. Le Musée des Arts Décoratifs de Paris intègre également depuis ses débuts des textiles dans sa collection. Le Brooklyn Museum a organisé une exposition de dessins de mode en 1929. Le Costume Institute a organisé sa première exposition en 1946. Cependant, lorsque j’ai parlé à des personnes impliquées dans des expositions de mode dans des musées à travers le pays, j’ai entendu dire qu’il existait une exposition qui avait radicalement changé la situation.
« ‘Alexander McQueen: Savage Beauty’ a créé un moment où tout le monde a pris du recul et a dit : ‘Oh, peut-être que cette exposition de mode et cette sélection de mode devraient être examinées un peu plus attentivement' », affirme Darnell Jamal Risby, conservateur adjoint de la mode au Cleveland Museum of Art. « Cela a ouvert la porte à l’exploration pour de nombreuses institutions et a encouragé les institutions qui se concentrent déjà sur la mode et disposent de départements de mode à être plus expérimentales. Cela leur a permis de penser la mode d’une manière qui a un impact direct sur les gens. »
L’exposition McQueen 2011 au Costume Institute, organisée par Andrew Bolton avec l’aide d’Harold Korda, a été considérée comme un succès pour le Metropolitan Museum of Art, attirant plus de 661 000 visiteurs. Rafael Gomez, aujourd’hui directeur des expositions de mode au Savannah College of Art + Design (SCAD), était à l’époque l’archiviste interne de Vivienne Westwood et se souvient avoir remarqué une augmentation des demandes de musées par la suite.
« C’était amusant. C’était éducatif. Les réseaux sociaux commençaient à décoller… ils suscitaient tellement d’émotions », dit-il à propos de « Savage Beauty ». « La structure ressemblait à un éditorial de magazine et la façon dont elle a été créée était étonnante. Le son de la musique, la conception des lumières… on commence à avoir la chair de poule. C’était une véritable expérience. Le musée était une combinaison de culture et de loisirs. »
« Savage Beauty » a coché une case qui n’existait pas encore. McQueen était « tellement ancré dans l’air du temps du public » à travers ses collaborations avec des célébrités, ses présentations théâtrales et même sa mort en 2010 que cela « a généré un niveau de fanfare qui l’a fait se sentir différent », dit Lisby. Nous avons également démontré comment tirer parti de la mise en scène, du son et de l’éclairage pour créer une expérience plus immersive que les gens voudront publier en ligne.
Collège d’art et de design de Savannah
« Nous aimons considérer[l’exposition]comme une histoire, comme un film, où différentes scènes s’accumulent pour créer l’émotion que vous ressentez à la fin de l’exposition », explique Matthew Yokobosky, conservateur principal de la mode et de la culture matérielle au Brooklyn Museum. Il a travaillé sur des expositions axées sur la mode au Brooklyn Museum, notamment « Solid Gold », « Christian Dior : The Designer of Dreams » et « African Fashion ». « Thierry Mugler : Couturissim » « Contrairement à d’autres formes d’art, la mode ne s’exprime pas toujours dans une boîte blanche. Elle s’exprime dans un espace très dynamique, qui inclut souvent du son… Il y a un peu plus de liberté dans l’expression de la mode d’une manière que d’autres formes d’art ne permettent pas. »
Yokoboski considère son travail moins comme « être un gardien des choses » que comme « créer des expériences de narration culturelle ».
« Il est important pour nous de nous considérer comme un pont entre les institutions et le grand public, et de réfléchir à l’inclusion du public dans la réflexion sur ce que nous allons publier », dit-il. La mode est facile parce que c’est quelque chose de quotidien. Tout le monde est habillé. Et tout le monde a une opinion à leur sujet. « Les gens disent toujours : ‘Je ne porte pas ça, je porte ça' », poursuit Yokoboski. « C’est un gros plus pour les gens de pouvoir venir au spectacle et avoir cette conversation sur quelque chose qu’ils ont l’impression de connaître un peu. »
La mode offre également aux visiteurs un lien direct avec la culture populaire qu’ils consomment et les célébrités qu’ils admirent. « Il y avait aussi une pièce de Michelle Obama qui a suscité une réaction émotionnelle de la part des visiteurs, même si la robe était de conception simple et de couleurs douces », explique Gomez. « Ce sont les statistiques du porteur qui le rendent si spécial. Un objet comme celui-ci n’a pas besoin de beaucoup d’éléments. Il est si puissant qu’il a besoin de respirer. Et c’est aussi très intéressant de voir comment créer des compositions quand on a quelque chose d’aussi puissant. »
Parce que les gens interagissent avec la mode de différentes manières, affirme Yokobosky, ces expositions « ont commencé à devenir une pièce maîtresse pour beaucoup de personnes différentes qui n’iraient peut-être pas normalement dans les musées ». « Tous les musées sont toujours à la recherche de moyens d’élargir leur public. Ce média, qui peut parler de tant de sujets, pas seulement de la mode, séduit un public plus large. »
Nous le constatons dans le type d’institutions qui accueillent des défilés comme celui-ci (le Louvre vient d’accueillir sa toute première exposition de mode, à la suite d’une soirée d’ouverture remplie de stars qui semblait emprunter quelques indices au Met Gala) et dans le nombre croissant d’opportunités dans ce domaine. Gomez a rejoint la SCAD lorsque l’université a souhaité ouvrir ce qui allait devenir le SCAD FASH Fashion + Film Museum à Atlanta. «(SCAD) possédait un musée (à Savannah) et une galerie dédiée aux expositions de mode», explique-t-il. « Ces expositions de mode ont attiré tellement de monde. Paula Wallace, présidente et fondatrice de SCAD, a vu le potentiel et la manière dont les expositions de mode pouvaient éduquer… Cette année, nous célébrons notre 10e anniversaire. »
Luca Stoppini / Musée d’art de Cleveland
Risby a été amené au Cleveland Institute of Art par la restauratrice principale Sarah Scaturro, diplômée du programme de maîtrise de la FIT en études de mode et de textile, qui comprenait l’histoire, la théorie et la pratique muséale. Il a conçu des expositions originales telles que « Egyptomania : Fashion’s Paradoxical Obsession » et la prochaine « From the Renaissance to the Runway » pour le musée, toutes plus grandes les unes que les autres. (Cette dernière, qui ouvrira ses portes en novembre, occupera environ 9 000 pieds carrés d’espace de galerie.) Il travaille également sur un programme centré autour de ces expositions, comprenant des conférences, des fêtes et des expositions d’objets qui contribueront à attirer les jeunes vers ce musée vieux de plus de 100 ans.
« Malheureusement, les musées peuvent parfois sembler un peu transcendants, alors que la mode est un peu plus banale », dit-il à propos de l’attrait des expositions de mode. « Nous portons des vêtements. Certaines personnes pourraient les considérer comme un art vivant, ou du moins comme une expression créative vivante dont ils peuvent s’imaginer faire partie. »
Ces expositions peuvent également couvrir des sujets et des problématiques que l’on ne retrouve pas ailleurs dans le musée. « Les gens utilisent la mode comme une porte d’entrée pour comprendre l’histoire de la mode, mais aussi pour accéder aux idées exprimées à travers le design », explique Lisby. « Dans « Egyptomania », nous avons parlé un peu de décolonisation, d’appropriation et d’appréciation culturelles. »
« La mode est un espace dans lequel les gens peuvent se sentir plus à l’aise dans des conversations très difficiles », poursuit-il. « Cette jeune génération est très franche. Ils adorent avoir ces conversations. Ils participent aux conversations. Et je pense que la mode est un endroit pour eux pour le faire. »
Cet été, le Brooklyn Museum a fermé son exposition « Solid Gold » en juillet et le Costume Institute a ouvert « Superfine : Tailoring Black Style » en mai. Il y a quelques mois à peine, SCAD FASH a organisé son premier défilé américain sur Jeanne Lanvin à Atlanta et un défilé sur les fleurs Christian Dior sur son campus de Lacoste, en France. Demain, le musée ouvrira pour la première fois Andre Leon Talley : Style Forever, une exposition rétrospective célébrant les réalisations du défunt éditeur. Pendant ce temps, le Cleveland Museum of Art se prépare à organiser son plus grand défilé de mode de son histoire, « Renaissance to Runway », en novembre prochain.
Il ne s’agit pas d’une liste complète de toutes les modes actuellement vues dans les musées. Cela prouve que ces expositions ne sont pas seulement une tendance.
